作者 |瞳渊

注：本文有轻微剧透，不影响观影，特此敬告

对于《La La Land》，《爱乐之城》是我自己最中意的译名。对音乐的爱是本片的灵魂。男女主角的梦想都和音乐紧密相关，甚至就是音乐本身。更别提本片歌舞片的形式也体现了导演达米恩·查泽雷对于音乐的热爱。

本片讲述了艾玛·斯通饰演的追梦人Mia, 和一个爵士乐信徒Sebastian(瑞恩.高斯林饰)相知相爱于洛杉矶，并在各自的追梦道路上共同面对的一系列事件。

两种追梦者

首先，在本片的绝大部分中，两位主角都是以追梦者的身份面对一切的。Dreamer和中文谐音如此相近，虽然听起来带有某种使命感的光环，但本质上是挣扎在失败和生存的夹缝中的受害者。梦想和飘渺的希望本身虽然甜蜜，但其引来的苦难却深重的多。

Mia所保留的童年梦想，是做一名成功的歌舞剧演员。为此她来到了拉斯维加斯，一边不称职的在咖啡厅打工，一边全力参与试镜，等待机会的降临。后来受到Sebastian的启发，自己写了一个单人舞台剧本并表演。

Mia所代表的，是一种近乎固执的追梦者。

我个人认识一个女孩，一直梦想当编剧，如今的她依旧在拉斯维加斯作着保姆的工作。她的雇主中，有过许多大明星，可是她并没有将她的作品成功的推荐出去。在这座城市，梦想和幻想不仅创造了想象力，也带来破碎的痛苦。

Sebastian在一开始是固执的，他坚信爵士乐应该得以保存，以其传统的，固有的姿态。他告诉Mia爵士乐原本是用来帮助人们交流的，他厌恶电子乐，并对如今的年轻人不再推崇爵士乐表示谴责。可是后来迫于生计，为了实现开Club的梦想，他参与了旧识的乐队，以电子音乐的新形式演奏爵士乐。这被Mia责备，表示他失去了自我。Sebastian属于固执过后的妥协，以及之后投降于妥协所带来的舒适圈的迷失者。

梦想本身的明确性也是一个关键。之前提到的Sebastian的迷失自不必说，当他和Mia争吵时，他表示：你不要说我现在只想着名誉和金钱，你自己就想当女演员！

演员这个职业本身的明确性就是很复杂的：Mia似乎是因为对表演本身的热爱，有人是为了利万名扬，有人两者皆有，这都不矛盾，也没有对错之分。事业本身和其带来的利益，成功的成就感与工作当下的享受，到底哪个是奋斗的动力呢?人人都有自己的答案。

两位主角梦想都不是契合时下最流行的文化的。Mia最原本的梦想是站在舞台剧的“舞台”上。Sebastian的爵士乐也是。

可是时代不同了，旧有的形式当然有着其不可替代的魅力，可是不同的形式间，存在某种类似竞争的关系也是铁实。当Mia第一次演出自己编写的舞台剧，台下观众寥寥无几，甚至在那么小的一个剧场内也显得空旷。就像今天，很多人会跑去电影院，可是去看歌剧，戏剧的人却相对少很多。

同样的，爵士乐被电子乐，流行乐挤到了角落。电音，DJ，流行乐，rap等等音乐元素被年轻人追捧甚至趋之若鹜。Sebastian也明白这一点，相比于让爵士乐再度崛起，他也不过是想为其他爱爵士乐的人提供一个温暖的，不那么被激烈的鼓点和快节奏充斥的小天地。就像1920-1933年的“Jazz Age”，爵士乐也被当时的年轻人喜爱，同时也让当时属于老一辈的音乐受到了威胁。

在新形式诞生的一刹那，就会将前者代替，并给它套上一个“旧”帽子。

听起来很悲观，事实也确是如此，可也并非没有希望。笔者对音乐知之甚少，所以前两天去参加了一个室内乐（Chamber Music）的晚会。相比于爵士乐作为一种音乐类型，室内乐的定义，更在于演奏家的规模。被誉为“家庭音乐”和“为朋友演奏的音乐”，室内乐的起源可以追溯到中世纪，由5个左右的演奏家合奏，概括来说是指在宫殿的厅室内演奏的音乐。当然，演奏的音乐形式很灵活，从古典乐到爵士乐等等都包括。

但从上述的寥寥几句最基本的了解，就不难发现这种音乐如今想要生存下去相当艰难。首先它本质上不是给大规模听众演奏的，进而是其悠久的历史所带来的“过时”错觉。确实这个晚会本身，也只有一百人左右，除了本人，都是40岁左右，甚至70岁的人。演奏的六位年轻人，都是20岁到30岁左右。他们出过CD，但销量可想而知，如今也在网络上卖电子专辑。

当我问旁边的老太太: “您对电子乐的态度是什么呢？“她说她也很喜欢，有一些她也会听。当我问她：“那您觉得室内乐如今在流行潮流中怎样才能延续下去呢？”她微笑着说她也不清楚。她只是爱室内乐，来尽自己的力量支持它而已。

这两个问题其实都是我想问Sebastian的。

这位老太太也帮我找到了导演可能要传达给观众的意思：时代变化，艺术的形式会改变，会有新的事物受到喜爱，也会有旧的产物走向下坡。可是多样化本身是需要被保护的，即便在潮流的大洋中，只是有一座座孤岛为曾经的流行提供栖身之所，也有其无限的意义。

顺便一提，本片中对经典电影的致敬很多。眼尖的观众可以找找看。

而一些运用镜头的方法本身，也是在学习老电影。最直观的例子，是Mia和Sebastian驱车前往天文台的镜头。而之后在天文馆内部，两人的互动和拍摄手法也不是当代电影的浪漫，而是以前的。

尽管小标题把抉择放在前面以突出其对于本片的重要意义。但我准备先聊聊影像。

故事发生在洛杉矶，Mia和Sebastian走遍了他们工作的好莱坞。通过影像，观众看到的是这座城市与艺术，尤其是电影的紧密联系。从Mia工作的咖啡厅对面伯格曼旧屋的典故，到二人信步穿过城市经过的拍摄场景。电影工业的繁荣与活力可见一斑。

开头的歌舞过后，气氛和天气都很热烈，而屏幕上渐显的“Winter”字样，述说着这个城市四季如常，没有多样性季节的特点，而旺盛的生命力在这里也似乎从来不会停止流动。在“Winter”字样下，看不到尽头的高速公路上铺满了汽车，即便我极尽目力试图找到最后一个站在车顶高唱的人也是徒劳。这个城市从来不缺少吸引力，无数人慕名而来，希望在任一形式的作品中求得一席位置。

其二，歌舞。本片舞乐的优秀不需要任何赘述。歌舞相当于两位主角的憧憬，对梦想也好，对爱情也罢。作为在所有影像中更加不真实的一类，它剥离了电影和现实，体现着影像超出现实主义表达的可能性。

其三，石头姐和高司令的表演。其中以Mia数次试镜时的特写为最精彩部分。一个例子：在一次试镜中，当Mia刚刚开始表演数秒就被叫停。影院内响起无奈而激烈的笑声:“That’s so like that!”一个年轻男子说道。Mia脸上的热情瞬间冷却，无奈，愤怒，不自信和一丝徒劳的希望掩盖在其姣好的面容下。Sebastian数次演奏的特写所包含的情感也各不相同，值得各位细细品味。

最后也是最重要的，两位主角都经历过的“浸入时间”。在各自的舞台上，无论舞台寒酸或宏大，两位都各自或共同经历过除了自己和表演，周围一切归于黑暗的时刻。

这当然是一种投入，但也同样是角色拷问自己，对话自己的过程。这时他们的内心都是矛盾的。他们一边承认自我对表演的无限热爱，一边怀疑成功的几率；一边在不被人理解的孤寂中坚持，一边犹豫如果选择别的道路如今是否会更好；一边感知当下的境况，一边幻想人生偏移一点点的另一种可能。

而当这浸入变得具体，电影的独特魅力就开始大放异彩。

结尾当Mia与Sebastian再度相遇，他们都“看”到了另一种可能。影像非常圆满，却如何也不能实现。可是想要把这种幻想真切的表现在眼前，分享给别人，也必须依赖视觉媒体，于本片就是电影的形式。因为个人的幻想是没有媒介传输的。借用Marshall Mcluhan的名言，“媒体是人类感官的延伸。”这份结局的美好景象，就是电影作为一种体外感官器官带给人类的最好礼物。

现在让我们说回抉择。这是一部关于“分母”的电影。这也是我觉得本片可以发展出另一个可能性的地方。

Mia在失落回家后，被Sebastian追到家的夜晚，Mia哭诉了不想再坚持的痛苦。这是全片为无数失败了的追梦者最直接的发声。虽然最后Mia极其戏剧性地成功了。但如果这部电影坚持让两位主角继续失败下去，讲的便会是一个完全不同的关于“没有被上天选择的人”的故事。

可是这不可能，因为这是一部歌舞片。观众的情感需要被引到一个不用于日常生活的世界。爱情的美丽与脆弱，梦想实现的成就感和尊严。这两个都是难掩光辉，值得讴歌的美丽主题。难怪相对于男性主体观看充满欲望的电影以追求感官的刺激，歌舞片有“为女性观众打造的心理上的porn”的别称。

而在结尾，虽然两位都实现了自己的梦想，他们却也付出了牺牲。这就是他们不得不做出的抉择。追梦人是要承担风险的：要得到什么，就要相应的付出等量或更多分量的代价。放弃和获得，从来都没有分开过。即便是在一直以来突破人类想象疆土的洛杉矶。