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界面新闻编辑 | 姜妍
《给阿嬷的情书》让电影市场继《哪吒之魔童闹海》之后又有了一个值得反复讨论的电影样本。
在今日举行的第28届上海国际电影节开幕论坛上，与会嘉宾围绕讨论一个让人既兴奋又困惑的问题进行了讨论：当《给阿嬷的情书》这样一部1400万成本的方言温情电影，在2026年的中国电影市场交出近20亿的答卷时，我们究竟该怎么理解这个“偶然”？它背后的市场信号是什么？
电影没有方法论了
在《给阿嬷的情书》成功之后，参与了该电影出品的大麦娱乐总裁李捷在论坛上表示，公司已经收到了“给阿公的情书”类似的作品，包含客家话、闽南话、四川话等版本。
在李捷看来，这种反应暴露了行业深层的焦虑和惰性，存在一个思维误区：从题材类型到制作成本，从话题情绪到共情共鸣，从业者始终试图寻找一套可以快速复刻的“爆款公式”。
“现在电影市场经历很大变化，这让我有一个深刻的反思：其实观众永远比创作者审美和观影兴趣变化更快，我们无法把握观众下一部到底他想看什么，这也是过去几年电影市场出现变化很大的原因。因为我们在很多投资和电影创作中，是相信有方法论的，我们相信题材和类型能复制，我们相信大制作，大的演员可以带来观众进电影院的兴趣。恰恰每一次一个好的电影出来，证明这个方法论可能是错的。”李捷说道。
李捷判断，未来十年，题材类型、制作成本都将变得没那么重要。李捷以《给阿嬷的情书》举例，蓝导在有限的成本之下，制作出了好的故事，反而一些大制作的电影失去了创作好故事的初心与自由，“一旦电影成本上去之后，导演和所谓主创自由没有了，因为他得把这个钱花掉，就会想往高的配置，可能忽略故事以外的东西，更多依赖场景、特效，包括视听的东西。”
在这种背景下，市场上往往不具备传统意义上看好的类型、题材电影，反而收获了超出预期的成绩。在李捷看来主要基于三方面的原因：首先，观众的审美阈值在大幅提升，不再会被宣发影响观影决策，未来宣发公司的作用只有完成固定传播动作和尽力维护口碑问题；其次，观众不会再为特效、演员等故事以外的因素而选择电影；最后，话题、情绪也不再能够打动观众，因为任何一个话题和情绪时效性在今天就3到6个月，而一部电影创作周期最最快也需要12个月，大多数电影是在拍的时候基本上就过时了。
李捷建议行业要回归到最简单的创作逻辑中，“不看今天的情绪，也不看观众喜欢什么，讨厌什么，就拍我们相信的东西，只要这个东西我们自己能被认同，它可以穿越时间，5年后电影观众看完也不觉得落后，甚至5年后也会被感动，我们就应该去投。”
在抛去电影方法论的思维定式误区之外，行业还要重建对电影的信心。
一直以来，行业里一直存在一种论调，将观众不爱看电影归咎于短视频、短剧占用了观众的时间，但是《哪吒之魔童闹海》《给阿嬷的情书》等几部作品的出现都在说明，观众从未放弃电影，甚至说，电影仍有人们难以想象的文化爆发力。
无论是短视频、剧集和短剧，没有任何一个能超越电影在今天这样的传播力。李捷建议，以后行业不要把票房视为第一衡量标准，而是要看到观影人次的重要性。只有越多的人看到电影，才说明电影建立了一定的影响力。
王隽认为，电影市场存在“虹吸效应”，《哪吒之魔童闹海》《给阿嬷的情书》除了一般成功逻辑以外，已经上升到一个社会学现象，“如果我们的电影有更多的这样的作品出现，我觉得我们的电影的未来，或者我们电影观众和电影人，能更自由地在这片大海里遨游。”
创作者要寻找到自身位置
《给阿嬷的情书》带来振奋消息的同时，电影市场的严峻现实仍不可忽视。就在它票房爆发的4个月内，不及预期的春节档和疲软的清明节档让市场大盘冷清许久，除了春节档电影，没有一部突破5亿的电影。
市场的冷淡，反应到投资上游就是一个现实问题。
儒意电影董事长兼总裁陈祉希以制片人的身份分享了一个行业观察：在市场环境好的时候，商业片赚到的钱可以反哺给文艺片和青年导演，但在当下市场紧缩、资源向避险型项目集中时，电影公司不得不更审慎地评估每一个项目的商业属性，“作品本身要有足够的受众，让观众获得情绪价值或释放出口，具备当下性的议题变得至关重要”。
然而，当下许多青年导演最大的问题是，总在表达自我议题，“到底有多少观众愿意进到电影院去某一个导演非常小众的自我议题，或者非常私人的议题？这样的项目一定是我们不会去做选择的。”陈祉希说道。
多年的制片经历，也让陈祉希认识到，青年影人这些年的心态变化。
“我觉得我们现在把很多当年初心的东西都忘掉了。”陈祉希坦言，过去那些导演的态度极其执着，比如大鹏执导的《煎饼侠》、徐峥的《泰囧》辗转三四年才找到投资，陈思诚的《唐人街探案》经历过无数次剧本测试和修改。而如今，许多给予反馈意见的创作者，一旦剧本被打回，就直接“石沉大海”，“不像以前的创作者一次又一次不停地去推翻自己，重建自己，重建剧本”。
陈祉希认为创作者的态度和一个好故事是青年影人必须具备的基本元素，“如果连这个元素都做不到，何谈创作，何谈拍电影。大家日子过得太好了，反而放弃了很多东西。”
为了扶持青年影人，每年全国各地的电影节展会有大量的创投活动，给予大量的资金投入，但陈祉希发现，在这个过程中，较少有青年影人可以真正坚持下来，“可能连1%的作品都没有出来。”
陈祉希给当下影人提出的建议是：青年创作者必须在“X轴”上找到自己最想表达的东西并坚持，在“Y轴”上找到喜欢它的观众，“因为看到你的坚持和执着，作为资方，我们被打动了，才愿意投钱”。
导演兼编剧文牧野则从创作者角度回应了这份“执着”的含义。他从自身经历出发，回忆当年自己不停拍短片磨砺自己的拍摄技能，然后寻找合适机会让自己被看到，他认为青年影人必须要保有“希望被人看到的欲望”。不是一种孤芳自赏式的自我表达，而是“围在篝火边”的一种分享，“电影是要让人看的，它得有表达欲，得有分享欲”。
毕业于电影市场商业化还未成型的董润年，面临着同样艰难的处境，他抓住机会，先从写剧本入手，虽然之后有机会转为导演，但他仍然决定不断精进自己的剧作能力。董润年认为，当下的行业现实是：“年轻导演想要拍第一部作品，大概率还是要靠自己写的剧本。不太可能说，某一个电影公司给了一个特别好的剧本就让你拍了。”在他看来，年轻导演必须增强剧作能力，“只有足够过硬，在这个时代反而能够做得更好”。
上海电影集团董事长王隽也从实践经历中给出了印证——他们优先合作的青年影人，普遍在剧作能力上表现出极强的实力，作品成功的概率也相应更高。
（文中图片均由上影节官方提供）
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