作者： 陈思航

今天的夏天，似乎有些过于热情了。无论住在哪里的朋友，都能切身感受到惊人的高温。甚至就连北极圈的温度，也达到了32摄氏度。

在这样的天气里，看一部《盛夏》，似乎再合适不过了。在今年的戛纳影展上，这部电影像一支灼热的箭，任由观众乘上它的箭簇，飞到20世纪80年代初的列宁格勒。那时，摇滚引爆了整个世界，就连那里也不例外。

影片讲述了前苏联时代的两位摇滚偶像——维克多·崔与麦克·诺门科的故事。维克多本默默无名，却偶然与早已成名的麦克相遇，并渐渐以他的才华打动了麦克。

麦克决定帮助他制作专辑，在音乐之路上站稳脚跟。然而，随着维克多不断展现他的人格与音乐魅力，麦克美丽的妻子娜塔莎似乎对维克多暗生情愫……

当时的苏联正处政治重压之下，但导演似乎没有在银幕上让我们直观地看到那残酷的一切。将晦暗的压迫与求生的音乐对照起来，大赚观众的眼泪，太容易不过了——我们看到太多这样“成功”的电影。

然而，导演却决定让我们切身地体认音乐的重量。在《盛夏》中，我们看到了摇滚歌手澎湃的激情，与无所畏惧的态度。我们的感官告诉我们：没错，这就是摇滚。

那么，导演是如何做到这一切的？导演是如何在狭窄的电影银幕上，拍出音乐的自由性的？

《盛夏》最直观的视觉元素，就是它的黑白色调。

在彩色电影时代，采用黑白影片反而成为了一种时尚。今年赢得戛纳最佳导演奖的作品《冷战》、去年艺术名导洪尚秀的作品《之后》、前年金马奖最佳剧情片《八月》……无数的艺术导演，将黑白影像作为一种表意手段。

然而，这并不意味着用了黑白影像，电影就成了优秀的艺术片。仅有黑白两色，意味着更高的表意难度；意味着导演需要对光照、阴影更为敏感；意味着导演应该确信，在他的主题与叙事中，黑白要比彩色更具魅力。

而在《盛夏》中，阳光下散漫的光影里，导演成功利用了黑白影像的柔和质地。

在高对比度场景中，人体与火焰都显得愈发明亮。

当然，黑白影像最直观的意义，在于其年代感。在影片中，由于特定的时代特征，它似乎又附上了一层阴冷的意味。然而，在这黑白之中，我们似乎可以看到几点动人的彩色。

在响起摇滚乐的“MTV”场景中，我们可以看到红色的零星点缀。在创作歌词的字幕板画面中，则直接采用了彩色的影像。

随着影片的进展，我们可以看到有许多彩色的画面不断闪过，它们与音乐同构，让我们感受到渐强的力量。在黑白的基调中涂上色彩，这恰是音乐的意义。

在最终的高潮处，我们看到片中的摇滚歌手直接冲进银幕中的银幕，世界中的世界，从黑白闯入了彩色。这个镜头也与笔者将要提到的下一点息息相关。

《盛夏》不但冲破了色彩之壁，也冲破了银幕之壁。

戏剧创作常有打破“第四面墙”的说法，这源于著名戏剧家布莱希特的传统。

在由三面墙壁围成的舞台上，演员究竟该假装他们与观众之间有第四面墙，还是该打破它，与观众进行沟通呢？

在《盛夏》中，我们偶尔会看到片中演员与观众直接对话的镜头。毕竟作为一个摇滚青年，就算在表演电影也是不该惺惺作态的。

而在上文中提到的闯入彩色世界的场景中，导演更为深刻地诠释了“冲破银幕之墙”。

如果与观众对话是冲破了那片虚无缥缈之“墙”的话，向内部侵入，则是从另一个方向捣毁了“实体”之墙。毕竟，对那个年代的人们来说，我们这些21世纪的观众是虚幻的，而那个黑白世界是真实的。

借助这个动人的镜头，我们看到那个摇滚歌手，凭借音乐的力量，逃离了那个黑白的、晦暗的、在历史的重压之下变形、扭曲的世界，到了一个被赋予色彩，可以赤身裸体、无所顾忌的地方。

最后，也是最动人的一点是，《盛夏》刺穿了人心之壁。

在经典的好莱坞式影片中，过肩正反打一直是对话场景的标准镜头。这种经过时间检验的精致剪辑，很容易便能让观众带入对话的情境。

然而，在《盛夏》的对话镜头中，我们很少看到这样将其中一方“孤立”的单人镜头。对话双方常常共享同一个镜头，仿佛在并肩作战。

在转移镜头焦点的时候，《盛夏》也常常通过长镜头，而非剪辑来达成人与人之间的纽带。

我们也常常看到许多角色簇拥在拥挤的银幕空间中，共同散发着光与热。

当然也有例外。当歌曲在所谓的“俱乐部”接受审查时，由于观念存在明显的隔阂，角色们被单人镜头区划开来。

而当维克多·崔与麦克夫妇分离多时，重新见面的时候，我们看到了这部影片中极为罕见的正反打镜头。

这一镜头从维克多向娜塔莎讽刺麦克“在莫斯科能赚多少钱”开始。我们明显地感觉到，久别重逢时如鲠在喉的尴尬气氛。

不过，在下一个接吻场景中，仿佛一切都和解了。

在影片的末尾，同样是一场演唱会。娜塔莎仍旧是那个深情的观众。只不过曾经在舞台上散发风采的人，是麦克，如今，是维克多。而音乐贯穿了整部影片，从片头射至片末。

《盛夏》正是这样一支灼热之箭，击穿了重重壁垒，散发着摇滚乐的高温。