20年过得真快。

对于无数80与90后来说，香港，不仅是一个城市，而是许多人共同拥有的时代记忆。

他们是被香港文化影响最深的两代人：经历97年回归，从小追看TVB，听着四大天王、梅艳芳王菲的歌曲长大。

在最热血的年纪走进千禧年，影碟机里轮流放的是《英雄本色》、《东邪西毒》，至今念念不忘周星驰的“我养你啊”以及“一万年期限”。

除了江湖、武侠、无厘头喜剧之外，我们记忆中的香港电影还具备一股烟火气，那就是看似市井，实则折射整个时代的小人物传记。

比如96年陈可辛的《甜蜜蜜》，通过两岸年轻人的爱恨纠葛，展现香港回归前十年的历史变迁。

02年许鞍华执导，张学友梅艳芳主演的《男人四十》，述说了年逾不惑的中年男子，如何身处生活压力远超过北上广的香港，面对来自社会的种种困扰与无奈。

好的电影就像一面镜子，能让你看到时代的缩影。今年，一部《29+1》也继续关注小人物的香港精神，为我们描述了港女们在10年代下的生活印记。

电影女主角林若君（周秀娜饰），在步入三十岁之际，同时遭受双亲病重、爱情危机、工作变动的三重打击。所有的不安与不幸，都加重了她对三十岁大关的怨念和不满。

因缘巧合，林若君搬家后的新室友，是与自己同年同月同日生的黄天乐（郑欣宜饰）。林若君通过黄天乐的日记，阅读对方人生的点滴，试图去了解这位与自己不同风格、不同命运的乐天派女生。

两人之间互相磨合、影响，又彼此支持，在同一个屋檐下迎来了人生的另一阶段。

影片是由香港才女彭秀慧，自编自导自演的同名舞台剧改编而成。虽然风格小众，但故事很典型，触摸到了很多香港女生的内心，因而成为香港近十年来最受欢迎的女性题材剧本。

导演彭秀慧

彭秀慧凭借此片，摘得尼斯电影节外语片的最佳导演奖。而更令人惊喜的是女主角周秀娜，万年的嫩模定位，终于得以翻身，迎来出头之日。

明年的金像奖最佳女主提名，可能会为她预留一个位子？

对港片一向蛮残忍的豆瓣，为这部口碑电影打出了7.5的高分，但却不能扭转《29+1》无人问津的局面。宣发期时，片方只在珠三角地区举办了小型粉丝见面会，6月2日电影在内地上映，立刻就被隔壁的《神奇女侠》秒杀。

同样都是女性题材，都在讲female power，港式风味在西方大片的夹击下，几乎没有还手之力。

盖尔·加朵成为了大家的新任女神，粉丝津津乐道讨论《神奇女侠》中的女权主义。反观《29+1》，只有一句“哎呀港片，我对它已经没期待啦”。

不看港片，似乎成为了很多观众，在面对当下电影市场做出的一种选择。尤其是近几年，具备“港片标配”的《澳门风云》、《寒战2》等作品，大咖助阵、制作高昂，一次次想重新扛起香港电影大旗，结果每回都难逃大范围差评。

持续有不及格的答卷出现，大家批判香港电影“made in HK”的特征不再明显，拍拍手大喊一声“香港电影死咗啦”的行为，也好像成为了一种观影的“政治正确”。

可是，香港电影真的死了吗？

在此祭出大佬杜琪峰说的一句话：

香港电影没有消亡，只是更好地融入了内地市场。

在全球化的今天，两岸的文化、认知、信息共享度不断融合，经历了辉煌时期的港片，不再只是一个地域性产物，而是进入了“如何最大化保留特色，并与华语片合为一体”的阶段，面临着全新的挑战。

大时代的背景下，港片投入大陆的怀抱

上世纪80年代末到90年代初，是香港经济的鼎盛期，也是香港电影的黄金时代。在那个可怕的时期内，每天都会出现不得了的人物，一系列构思新颖的电影横空出世，顺势造就了王家卫、刘伟强、吴宇森等口碑导演，也把周润发、张国荣、成龙等人送上了封神之路。

可以说，当时一个香港，就能扛起亚洲电影市场的半壁江山。然而物极必反，从1994年开始，香港影业无论是质量还是票房，都开始下滑。造成这个局面的不可抗力很多，比如好莱坞的入侵、地域限制导致的格局有限、盗版猖獗、人才青黄不接，等等等等。

更加惨的是，97年金融风暴，上层的经济震动，直接影响到需要大把钞票供养的电影行业，港片持续走衰。

直到2003年，香港电影迎来一个转折点，那就是：两岸签订了CEPA协议，内地市场正式对其开放。

协议旨在依靠引进香港电影，丰富内地的文创产业。在当时，港片仍保持着高产量，却苦于没有更大的市场进行出口。而同期的内地市场，娱乐消费意识开始冒头，对于电影的需求激增，两者无形之间，达成了一种“供需平衡”的关系。

于是，在内地“电影院文化”刚起步的当时，《无间道3》作为签订协议后第一部在内地上映的港片，两周内就狂揽两千万的票房。

对不起，我是警察！

紧随其后是04年的《功夫》，顶着周星驰的金字招牌，总票房更是高达1.7亿。力压好莱坞电影，成为当年内地票房冠军。

包租婆，怎么没水啦？

内地市场需求之大，内地观众对港片的关注和期待度之高，可见一斑。而香港电影经过内地市场的扶持，也终于在持续多年的不景气之后，找到了一个新的突破口。

CEPA协议初运营效果良好，2008年，两岸针对电影产业补充了新条款：让香港电影不限配额进入内地院线，放宽了合拍片模式。

如果CEPA最初的设立是为了拓展中国电影市场，那么补充协议的达成，则极大程度标志了我们正式发声，希望能够多方引进香港的影视制度、技术以及人才。

如此欢迎港澳同胞的政策，怎么能放过嗷。于是一大批香港导演、演员纷纷选择北上掘金，同时开启了两岸合拍电影的新世代。

不过，合拍电影之路，困难重重

陆港合拍的全新产业模式，没有先例可参考，磨合在所难免。大批香港导演，在进入内地市场后均出现“水土不服”的症状，其中最显著的一点，就是两岸的文化差异。

虽然都是中国人，可是被西方文化浸染152年的香港，和内地存在的cultural gap，不仅仅是你去茶餐厅食菠萝油，我在大排档吃烧烤，或者我叫草莓你叫士多啤梨这么简单。

两岸的文化差异渗透了每一处细节，从生活习惯到事物认知。彭浩翔在采访中举过一个例子，当《老鼠爱大米》红遍中国时，侯孝贤的女儿在国外打来电话，不解地问老鼠为什么会爱大米，老鼠爱的不是芝士吗？

这问题直到如今，也让很多电影人头疼。就像汇集了港台大陆三地演员的真人版麦兜《春天花花同学会》，也远远不及《大圣归来》一声“俺老孙”让内地观众心潮澎湃。

除了无法避免的文化差异，碍于内地严格的审查制度，以及为了适应内地社会环境和市场需求，香港导演不得已要减少一些他们曾经最擅长拍摄和运用的素材。

内地严格的电影审查制度，对一贯放荡不羁爱自由的香港电影画风起到了约束作用，在一定程度上限制了导演的发挥空间。所以你会发现，近十几年，底层三俗却爆笑不断的喜剧少了，类似《青蛇》、《东邪西毒》这些对原著无厘头改编的古装戏，也少了。

而90年代的《英雄本色》，叫一声“大佬”就能肝胆相照两肋插刀，为兄弟为义气，从九龙一路开火到中环的剧情，与如今的和平年代格格不入。那些曾经流行的拍摄题材、文化基础，在审查制度、社会市场需求等因素的影响下，不得不被弱化甚至彻底摒除。

此外，唉，拿钱拍电影还得看好多人的脸色。内地的资本力量常常会干涉电影/电视剧的创作，这就需要电影人有一定判断力和侧重选择。运用得当是优势，无限妥协就离一星差评不远了。

香港导演选择北上的主要原因，无一例外是因为香港本土市场不景气、资金跟不上。当突然接触到来自内地神秘且庞大的资本力量之后，许多导演无法平衡资本与作品质量的关系，纷纷向资本势力低头。

在这里，真的不得不提一下王晶，这位来内地发展的香港交换生。作为曾！经！香港无厘头喜剧的代表人物，刘德华、梁朝伟等一线大咖无不在他的喜剧片里嬉闹耍宝。可自从转战内地市场，专注圈钱20年......连周润发也拯救不了《澳门风云》系列，感觉多评论几句自己就要窒息了。

道阻且长，行则将至

削弱文化差异、适应审查制度、迎合市场需求、把控资本，一系列难题需要去克服和解决。虽然路不好走，但纵观这二十年的发展印记，港片也不是一直在原地踏步。

香港电影之于内地，优势在于拥有完善成熟的体制和工业意识，简单来说，就是香港电影人，明白如何拍出让观众喜爱的商业片。但香港毕竟属于弹丸之地，市场格局有限，技术更新缓慢，这些短板正好是内地电影产业能够填补的。

广阔的市场与题材选择、庞大的资本支持、丰富的明星资源……这些内地的优势加上香港专业的从业人员，只要搭配到位，两者也能碰撞出不一样的火花。

比如周星驰的《西游降魔篇》，虽然故事是旧瓶换新酒，但加上由大量金钱堆积而成的3D魔幻特效，顺势创造了单日过亿的票房纪录，“欠星爷一张电影票”的怀旧情感也随之爆发，可谓商业运作的大成功。

本身仍旧以“江湖气”为核心的《毒战》，把香港惯用的缉毒题材，巧妙移植为内地背景，血腥、火拼、团灭一样不少，输出了港片氛围的同时，也让一贯严厉的审查制度，为杜琪峰留了一扇小窗。

以及早年靠类型片打下一片天的林超贤，大概能算是同代香港导演中，最懂得平衡之术的一个了。成功运用大资本与政府加持的《湄公河行动》，还能具备极强的可看性与商业转换，能够做到这点，real不易。

当然，还有沉迷于将自己本地化到极致的陈可辛。这位深谙内地观众口味的电影人，先是将工作室开到帝都，再是采用内地编剧说内地故事，导演拍摄的《中国合伙人》、《亲爱的》，接地气到几乎不见香港导演的痕迹。担任监制的《七月与安生》、《喜欢你》，给香港新锐导演保驾护航，也是运作高超，票房口碑双收。

说了这么多，口干到想饮杯茶。无非想告诉各位看客，“港片已死”这个论调，未免太过片面。

观众，或者说是内地观众，之所以不待见如今的港片，终归是因为“放不下”。

大家记忆中的香港电影，是猴赛雷的广东话，是悬挂广告牌的逼仄街道，是八婆师奶的麻将桌，是赌场、跑马和六合彩，是社团马仔拿出西瓜刀，是一碗云吞面、一条轩尼诗道、一栋重庆大厦。

左右是无数的生活细节，上下是西方化的资本社会。香港电影是什么？是大陆语境外的另一个世界。

黄金时代的香港电影，其中承载的资本社会形象与中西交融文化，强烈吸引着当时信息量接受度不高的内地观众。

而97年香港回归后，两岸逐渐开放自由行政策，内地游客数量激增。我们不用再通过电视去体会香港，而是可以亲自到铜锣湾、旺角吃吃逛逛买买。距离的拉近，让触不可及的东西变得习以为常，也让香港文化失去了神秘感，亦无法激起内地观众更多的好奇与遐想。

同时内地社会的高速发展，也让观众的审美和娱乐需求有了更多样化的标准。试想一下，“铜锣湾只有一个陈浩南”，这种适合出现在90年代语境的霸气宣言，以及街角喝杯冻柠茶都随身携带砍刀的画面，放到如今，看了可能没有热血，只有尴尬。

就像有人调侃：现在的“古惑仔”谁还打架啊，都去开公司搞贸易喇。

当那股“港味”应时代的征召而落幕，不少观众却仍心怀执念，夹带情怀，以旧时标准要求今日港片。当对方做不到时，就像无法被满足的小孩，感叹“香港电影已死”。

香港电影不是“死了”。只是那个集天时地利人和于一身的港片时代，已经过去了。

2017年，当我们回顾近5年，乃至近10年间，每年内地票房前30的电影，在几乎被好莱坞包榜的情况下，由香港团队主导拍摄的电影，仍坚挺占据了榜单将近30％的比例。

这说明什么？说明对于华语片而言，香港的电影产业仍旧是中流砥柱，并且已经随社会的发展和时间推移，逐渐融合进内地市场。

与其哀叹，不如自省。每个时代都有一首波澜壮阔的歌，当这首歌唱到结尾时，我们能做的，是好好把它们记在心里，然后在下一个时代，写一首更棒的作品。

最后，送上发哥式祝福

二十岁生快