记者 | 陈佳靖 朱洁树

编辑 | 朱洁树

【上海】

脑洞：人工智能与艺术

时间：2019年11月7日-2020年2月9日

地点：明当代美术馆（静安区 永和东路436号）

费用:   90元

人工智能的技术演进给人类带来了一浪盖过一浪的甜蜜烦恼，我们或许可以赋予冰冷机器以多重拟人化的诗意角色，也坐享了技术的无尽便利，然而，艺术家也通过这个展览提出了拷问：人工智能，是决策者，还是创造工具？在人工智能技术背景下，美的主观性与社会偏见、劳动力与智能的互相拉扯、数字经济的极大不平衡等成为这些艺术家热衷于探讨的核心话题。

邓菡彬和吴庭丞的AI交互装置《罗莎：动作情绪测谎仪》利用对于演员情绪的分类设计了一个度量标准，并利用该设备对演员的情绪进行测谎，判定其表演有没有“走心”。值得注意的是，当演员知道有一面镜子在判断自己的时候，也会据此来调整自己的表现。通过技术的介入，人类的情绪表达或许也会由此打开一片新的领域。

莎拉 · 梅约哈斯的《花瓣云》毫不避讳地展示了其数据采集过程中耗费的大量劳动力，艺术家邀请16名工人将一万朵花瓣采摘下来，形成庞大的花瓣数据集，在此基础上能够不断生成新的花瓣，她同时也邀请他们挑选自己认为最美的花瓣压制成为实体标本。通过这个项目，她谈讨了自动化和人工智能、美的主观性等问题。

展览总共呈现了22组艺术家共28件作品，探索了关联到今日生活之“隐秘的脑回路”，和沉浸在技术环境中的无意识。

美丽新世界：张培力、汪建伟、冯梦波联展

时间：2019年12月12日-2020年03月15日

地点：昊美术馆（浦东新区祖冲之路2277弄1号）

费用:   70元（早鸟票）

1989年，万维网诞生，中国现代艺术大展在中国美术馆举行。昊美术馆将这两个事件联系在一起，启动了“WWW和中国新媒体艺术三十年”项目。美术馆计划在三年内，通过展览、大型论坛、专著出版等形式，重访中国新媒体艺术在这三十年间的重要节点。计划中的三场展览的第一场，担任主角的是三位在中国新媒体艺术领域的先驱人物：张培力、汪建伟、冯梦波。

张培力从“85新潮”时期就开始活跃，他创作了一批中国最早的录像艺术作品，一些作品囊括了新闻联播的镜头、革命故事片的片段，或是一些无稽的行为，在当时显得颇为荒诞，而今看来则具有“鬼畜”风格。汪建伟早期受到存在主义哲学和中国历史的影响，作品带有强烈的实验性和复杂的观念，他的创作跨越影像录像、多媒体、戏剧、装置、绘画和文本等领域，艺术家借此展现对于地质能源、产能过剩、经济扩张，乃至历史、符号、乌托邦等各种社会叙事的态度和想象。冯梦波在1996年就完成了互动艺术作品《私人照相簿》，他擅于运用电子游戏进行创作，美国作家和艺术评论家安德鲁·所罗门曾评论其“将渴望储存在电脑时代的冷酷美感中，用对历史的怀念来充斥对未来的预想”。

金石筼筜：金西厓竹刻艺术特展

地点：上海博物馆

时间：2019年12月7日-2020年2月23日

门票：免费

竹刻艺术，孕育于秦汉，萌芽于晋唐，含苞于宋元，盛放于明清，几乎可以称得上是中国中国艺苑中的一朵奇葩。民国时期的竹刻艺术家、理论家金西厓，则是其中的佼佼者。

金西厓出生于有着浓郁艺术氛围的南浔金家，当他的伯父兄长都沉醉于金石书画当中时，他却另辟蹊径地选择了竹刻。当时的竹刻创作以刊刻书画家的稿本为主流。与著名书画家合作是提高竹刻家艺术地位的唯一途径，也是产生优秀竹刻作品的重要方式。在金西厓的作品中，有很多是与伯兄金城合作而成的，“拱北画，西厓刻”成为金西厓竹刻创作中最具特色的作品。借助金城在书画界的广泛人脉关系，先后与金西厓有过合作的名家还包括吴昌硕、溥心畲、吴湖帆、沈尹默、罗振玉、张大千、齐白石，几乎聚齐了京津沪苏杭等地的书画名家，甚至还有日本画家渡边晨亩。

金西厓晚年应其甥王世襄之请，将平日有关竹刻的札记交其“编次缮正”，后经王世襄整理成帙，汇为《刻竹小言》。

后浪

地点：上海摄影艺术中心

时间：2019年12月8日-2020年2月9日

门票：40元

本次展览呈现中国和英国共14位策展人和资深艺术从业者提名的14位摄影师作品，其中包括8名英国艺术家、6名中国艺术家。展示他们看待当代生活现状的独特视角，他们关注的议题包括环境意识、加密货币、年龄和老化等。

王岩的《森林》与曼迪·巴克的《汤》以环境污染为主题；艾利克斯·玛丽的作品《舒展》将摄影与雕塑相结合；乔尼·布里格斯的《令人不快的真相》回顾和审视了泽西岛掩盖虐童事件的始末。安娜·雷德利则带来2件人工智能生成的项目——《花叶柳病》和《10,000支（郁金香）》，后者的意象来自18世纪几乎使荷兰经济崩盘的“郁金香狂热”，也影射了人们对于比特币的不断波动的态度。

中国参展艺术家分别为孙彦初、姜鹏奕、吴越、范西、秦一峰和陈哲。

重影：北岛摄影展

地点：之禾艺术空间（合川路2570号科技绿洲3期2号楼）

时间：2019年10月27日-2020年1月12日

门票：免费预约

文学和摄影似乎有一种天然的姻亲关系，很多作家、诗人，如果要跨界艺术创作，最先拾起的往往就是摄影。今年早些时候，诺贝尔文学奖得主帕慕克展示了他从自家阳台上拍摄的伊斯坦布尔，既有博斯普鲁斯海峡、马尔马拉海、东部的岛屿、远处的山脉，也有纵横交错的船只和掠过水面的鸟类。根据帕慕克的说法，“这些风景反映了我自己的心理状态，揭示了流淌在我身上、难以言喻却又深刻的情感。”

北岛同样热衷于摄影，他对摄影的喜爱开始于上世纪70年代，几乎与其文学生涯同步，北岛将其视为“观察事物的另一种方式“。据说，他是在冲洗胶片的暗房中写完小说《波动》的，当他罹患疾病无法写作时，也会用摄影的方式继续观察世界、捕捉情绪。这是北岛时隔7年之后的第二次个人摄影展，与此同时，也伴随着他的首本诗歌摄影集的出版。

【北京】

昂托安·莫蒂耶：墨行光影

地点：清华大学艺术博物馆

时间：2019年11月22日-2020年2月23日

门票：20元

从展览中作品的创作手法可以看出，莫蒂耶很可能与中国水墨画或书法存在共鸣。事实上，在二战后，比利时曾为促进跨国艺术交流举办过不少大型展览，但在当时，中西方之间的艺术交流仍然十分有限，直到1959年，布鲁塞尔美术宫才举办了一场现代中国绘画展（作品跨越1850年-1950年）。莫蒂耶所创作的大量使用水墨的抽象绘画正是诞生于这一时期。

可以说，莫蒂耶对水墨的广泛使用是极为罕见的，也是十分前卫的。比利时策展人卡米尔·布拉瑟尔认为，莫蒂耶的抽象画创作在于达意，在于将因现实而产生的感觉转化为作品，而不在于重现现实。他擅长通过笔尖的触碰、笔杆的振动、墨汁的滴落等无法言表但可以感知的细节触及事物的本质，因此，他作品中的人物和物体往往是去人性化和非物质的，更近似一种符号语言。在中国的语境下，这些色彩分明、图形兼备的作品也展现出不同文化之间的相似与差异。

瓦尔特·博萨德与罗伯特·卡帕在中国

地点：清华大学艺术博物馆

时间：2019年10月29日-2020年5月3日

门票：免费

这个展览聚焦的是两位知名摄影记者瓦尔特·博萨德和罗伯特·卡帕。他们都曾在20世纪30年代造访中国，用影像记录下中国抗日战争期间的历史。瓦尔特·博萨德是《柏林日报》《图片邮报》和《生活》等重要杂志的记者，曾长期居住在北京，对中国文化有着深入了解。作为中立国瑞士的记者，他可以自由穿梭于几个对立的阵营中，因此能更加清楚地看到战争的全貌。相比之下，罗伯特·卡帕主要出没于战场前线，他于1938年作为影片《四万万人民》摄制组的一员来到中国，期望用照相机揭露战争的严酷。他的名言体现了一名战地摄影师的气魄：“如果你的照片拍的不够好，那是因为你靠的不够近。”

从九·一八事变到华北事变，再到卢沟桥事变，对于中国而言，20世纪30年代无疑是历史上最为动荡不安的十年，而两位摄影师不遗余力的拍摄和报道，让这段历史得到了更多角度的还原。有趣的是，瓦尔特·博萨德和罗伯特·卡帕曾是好友，也是《生活》杂志的竞争对手。在这一时期，他们观察到的是类似的战争事迹，但二人的拍摄视角却并不相同。当我们被罗伯特·卡帕近距离拍摄的战争画面所震撼时，也应当留意其历史背景，即瓦尔特·博萨德所记录的战争的幕后风云。

陈天灼：入迷

地点：木木美术馆（朝阳区酒仙桥路2号798艺术区 D-06）

时间：2019年11月5日-2020年2月23日

门票：99元

进入陈天灼的展览现场，人们仿佛穿越到一个异世界：烟雾缭绕的诡异氛围、密集的宗教意象、大量毫无关联的文化符号，交错变化的图像和音乐片段……显然，这个展览没有遵循时间顺序，也没有任何明确的叙事逻辑。它让人置身于混乱的媒介之中，与宣传海报中呈现出的童话感迥然不同。

作为年轻一代的艺术家，陈天灼在艺术表达中显得不拘一格，甚至可以用“癫狂”来形容。展览开幕前三日，陈天灼曾带着他的全新表演作品《入迷》在美术馆内进行每天一场、每场持续12小时的演出。这场“马拉松式”的表演以不受传统戏剧、舞剧或音乐剧束缚的形式，呈现了六个与幻觉体验相关的故事。陈天灼表示，这些故事均来源于对不同文本的改编，其中包括苏珊·桑塔格的关于自杀幻觉的小说《死亡匣子》、残酷戏剧大师安托南·阿尔托的书信、威廉·布莱克的一些诗歌，还有藏传佛教还魂人的故事等，每个故事呈现的都是不同的“入迷”状态。

通过将宗教、亚文化、流行文化、舞蹈等多种元素进行拼贴和杂糅，陈天灼创造了一个充满荒诞和仪式感的神秘现场。而对于观众来说，与其解读这些元素背后的意涵，不如沉浸在艺术家创造的幻境之中，让感官被充分地支配。

巴黎呓语：尤金·阿杰摄影作品展

地址：泰吉轩画廊（西城区白云路6号云起时珍宝花园A1-8号）

时间：2019年11月30日-2020年1月11日

门票：免费

尤金·阿杰被誉为“法国纪实摄影之父”。19世纪末，尤金·阿杰购买了一架大画幅的二手木制相机，从此展开了摄影生涯。在近三十年时间里，他拍摄了上万幅作品，镜头里的巴黎街道风景——商店橱窗、建筑物入口、拱廊、街景、喷泉、教堂、花园——正是16世纪到19世纪旧巴黎的建筑艺术风格。乍看之下，这些作品似乎毫无特别之处，只是把眼前的事物拍下来而已，但这正是尤金·阿杰的目的——为艺术家提供资料。

晚年回顾自己的摄影生涯时，尤金·阿杰总结道：“这一庞大的艺术记录收集工作现已完成，我可以说我拥有了整个旧巴黎。”尤金·阿杰所追求的并非是摄影中的艺术性，而是尽可能清晰的细节和尽可能丰富的影调。本雅明认为，尤金·阿杰的摄影回避了“气氛”。这种对被拍摄物准确、客观和忠实的再现启发了20世纪兴起的超现实主义摄影、直接摄影、新地形学摄影等一系列艺术思潮。

本次展览以35件尤金·阿杰的珍贵原作为主线，向观众揭示这位摄影师对于摄影史的意义。正如美国著名摄影评论家约翰·萨考夫斯基在《尤金·阿杰》一书中的评价：“阿杰的作品之所以令人兴奋，并不在于他规避了空虚、浅薄，而在于他给我们展示了一个陌生的世界，里面充满了我们闻所未闻的节奏和共鸣，充满了对于我们几乎已经忘怀（或许我们从未了解）的经历的暗指。

向心：城市共生计划

地点：安·美术馆（通州区滨惠北一街新光大中心8c）

时间：2019年10月30日-2020年3月15日

门票：88元

此次展览涉及13位国内艺术家作品，他们分别选用雕塑、装置和影像从不同角度表达了对城市发展的思考和社会责任。其中，理查德·迪肯的《未知的定制》通过雕塑表面复杂的图案和网纹在光线下的变化，呈现出“定制”这一概念在个体消费以及文化和制度层面上的多重含义。沈远的装置作品《无墙》用三张水泥乒乓球桌作为对充满危机的室外环境的隐喻，这些桌台上放有一些儿童的凳椅和儿童的作业本，干树枝插在每张凳子上，脆弱的蝉蜕紧抓或依附在干枝上，不禁让人联想到在许多城市发展落后、战火纷飞的国家，儿童仍然缺乏最基本的“墙”的保护。宋冬的装置作品《同床异梦》利用一系列旧物组成了一个缤纷炫目的立方体空间，将属于不同时代、不同时空、不同人的生活物件共置一室。

这些作品旨在启发人们对城市空间的思考。城市是人类社会发展的产物，但在不断的运转中，城市也产生出一种向心力，将人与环境汇聚在同一空间，让彼此碰撞、摩擦、纠缠，同时也相互依存。